viernes, 10 de mayo de 2013

EL GUERNICA


EL GUERNICA






Ficha técnica:

  • Autor: Pablo Ruíz Picasso (1981- 1973)
  • Fecha: 1937 (1 de mayo-4 de junio, París)
  • Técnica: Óleo sobre lienzo
  • Dimensiones: 349,3 x 776,6 cm
  • Categoría: Pintura


Información sobre Pablo Ruíz Picasso:


Nació en Málaga en 1.881, muy joven se trasladó a Barcelona y, finalmente se estableció en París.

Pasó por varias etapas estilísticas como el periodo azul, el rosa, el cubista y el surrealismo. Fue un verdadero genio de la pintura universal y un gran innovador, permanentemente indagando en nuevos campos de expresión artística. Murió el 8 de Abril de 1.973.



Contexto:

El 26 de Abril de 1.937 la villa vasca de Guernica fue objeto de un cruel bombardeo por parte de la aviación alemana, que produjo numerosas víctimas inocentes y cuantiosos daños materiales. El hecho se enmarca en el desarrollo de la Guerra Civil española, comenzada el 18 de Julio de 1.936, y que enfrentaba al gobierno de la República, democráticamente elegido, con el ejército rebelde de Francisco Franco, sublevado contra el poder legítimo. Mientras los soviéticos de Stalin ayudaron a la República, Franco obtenía abundante ayuda humana y material de la Italia de Mussolini y de la Alemania de Hitler. La aviación de éste último tomó la iniciativa de bombardear Guernica por cuenta propia, sin pedir ningún permiso ni notificarlo a Franco. Los aviones Junker alemanes de la Luftwaffe realizaron un bombardeo-alfombra contra la desprotegida villa. La razón del ataque no podía ser la existencia de depósitos de armas, ni cuarteles o tropas, ni objetivos estratégicos ni que la villa fuese un nudo de comunicaciones. Guernica carecía de cualquier importancia militar o estratégica.

La vergonzosa razón fue probar en fuego real los nuevos aviones y su armamento ante el avecinamiento de la Segunda Guerra Mundial. Para explicar lo inexplicable, Franco en una delirante declaración echó la culpa del ataque a los republicanos que así habrían conseguido una excusa, bombardeando una ciudad de su zona, para poder acusar a los nacionalistas de Franco. Ni que decir tiene que este argumento no fue tomado en consideración por nadie.

El horror que causó este episodio fue muy alto en la opinión pública internacional, no sólo por el sacrificio absurdo de inocentes, sino, sobre todo, por ser la primera vez en la historia en que se atacaba desde el aire una ciudad. En poco tiempo, ciudades inglesas, alemanas y japonesas serían borradas del mapa con ese método.

Este tipo de desastre masacraría a millones de personas inocentes y dispararía la cifra de bajas hasta extremos escandalosos.



La obra:

Reflejo fiel de una época y de unas luctuosas y dramáticas circunstancias, el lienzo Guernica nació para formar parte del Pabellón Español en la Exposición Internacional de París, de 1937. El motivo que impulsó a Pablo Picasso a realizar la escena representada en esta gran pintura fue la noticia de los bombardeos efectuados por la aviación alemana sobre la villa vasca que da nombre a la obra, conocidos por el artista a través de las dramáticas fotografías publicadas, entre otros diarios, por el periódico francés L'Humanité. A pesar de ello, tanto los bocetos como el cuadro no contienen ninguna alusión a sucesos concretos, sino que, por el contrario, constituyen un alegato genérico contra la barbarie y el terror de la guerra. Concebido como un gigantesco cartel, el gran lienzo es el testimonio del horror que supuso la Guerra Civil española, así como la premonición de lo que iba a suceder en la Segunda Guerra Mundial. La sobriedad cromática, la intensidad de todos y cada uno de los motivos, y la articulación de esos mismos motivos, determinan el extremado carácter trágico de la escena, que se iba a convertir en el emblema de los desgarradores conflictos de la sociedad de nuestros días.

Guernica ha suscitado numerosas y polémicas interpretaciones, circunstancia a la que contribuye indudablemente la voluntaria eliminación del lienzo de cualquier tonalidad ajena a la grisalla. 



Contemplando la obra de derecha a izquierda puedes ver una mujer desesperada, gritando de dolor dentro de una casa que se derrumba y arde. A su izquierda dos mujeres más, la de la parte superior asoma por una ventana y porta en su mano una lámpara, la luz de la verdad , que ilumina los estragos producidos por la barbarie. La de la parte inferior sale de la casa arrastrándose en su agonía. En el centro de la composición se encuentra el caballo, retorcido sobre sí mismo y mostrándonos una espuela; su boca abierta y su lengua-lanza demuestran su excitación ante los acontecimientos. Justo encima está el sol, empequeñecido, en forma oval y con una bombilla en su centro como si el humo del bombardeo hubiese contraído el astro rey y la única fuente de iluminación tuviese que ser artificial. Un poco a la izquierda un pájaro agita las alas y clama al cielo desesperado como si pidiese inútilmente una explicación para lo acontecido. Bajo las patas del caballo yace el guerrero muerto, su mano todavía sujeta una espada rota.

En el extremo izquierdo, un toro contempla la escena sorprendido y desconcertado y, a su lado una visión terrible: una madre abrumada por el dolor lleva en sus brazos el cuerpecito de su hijo muerto mientras mira al cielo rota por el dolor y la pena.

Picasso renuncia al color para acentuar el dramatismo y sólo utiliza la gama de grises, el blanco y el negro, es lo que en arte se denomina grisalla.

Es un cuadro “sonoro”, los personajes gritan, gesticulan y mueren bajo las bombas ciegas que con todo acaban. La denuncia de la violencia es aquí intemporal y ha sido siempre utilizada como un canto contra la sinrazón de la destrucción y la muerte en cualquier guerra. Picasso pinta a las cuatro mujeres en actitudes desesperadas, son la población civil indefensa, pero también al militar caído en la defensa y a los animales, ajenos a la locura humana.

Una característica que el autor utiliza con frecuencia es la representación simultánea de varios planos en los rostros, como si los viésemos a la vez de frente y de perfil, de ahí un ojo diferente del otro, produciendo una visión globalizadora.

Técnicamente el Guernica tiene rasgos cubistas (reduce las formas naturales a formas geométricas) pero también emplea el expresionismo en los gestos extremos de los personajes y una gran pureza y definición de líneas que nos recuerda el neoclasicismo.

En este mismo contexto, tampoco hay que olvidar que dos años antes, en 1935, Picasso había grabado al aguafuerte la Minotauromaquia, obra sintética que condensa en una sola imagen todos los símbolos del ciclo dedicado a este animal mitológico y que es, a la vez, el antecedente más directo de Guernica.

Los acontecimientos de la vida privada de Picasso, junto a los sucesos políticos que atribularon al continente europeo en el período de entreguerras, se fusionan en los motivos creados por el pintor en estos momentos, para dar lugar tanto al propio Guernica como a sus bocetos y post scriptum, considerados como unas de las obras de arte más representativas del siglo XX.



Historia del cuadro:

Finalizada la Guerra Civil Española con la derrota del gobierno republicano el Guernica no volvió a España, ya en manos fascistas, sino que viajó al M.O.M.A. (museum of modern art) de Nueva York. Por deseo expreso Picasso, el cuadro no podría volver a España hasta que nuestro país fuese una democracia. Con la muerte de Franco en 1.975, España recupera esa democracia y el cuadro viene de Nueva York, siendo expuesto en el Casón del Buen Retiro (dependencia del Museo del Prado para las colecciones de los siglos XIX y XX). Despierta una enorme expectación y miles de personas hacen colas interminables para contemplarlo, adquiriendo así ese carácter de símbolo imperecedero que lo caracteriza.



Recientemente se cambió su ubicación al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, también de Madrid, donde actualmente se encuentra en exposición. Hace pocos años fue solicitado por el gobierno vasco para exponerlo en el Guggenheim con el argumento de que era una pintura vasca pero su delicado estado de conservación desaconsejó el traslado. Se provocó una gran polémica y Arzallus llegó a decir “en Madrid tienen el arte y nosotros sólo las bombas”. Lo cierto es que el argumento de que representa a una villa vasca no es suficiente para que vaya allí. El encargo lo hizo el gobierno de Madrid, Picasso dejó escrito su deseo de ver el Guernica colgado en El Prado, el cuadro es alusivo a la guerra de España y, como cualquier obra de arte es universal, ajena a nacionalismos y sectarismos.




Carta al MoMA de Nueva York, Mougins, 14 de Noviembre de 1970, especificando sus deseos respecto al futuro del Guernica.





Traducción:

Señores,

En 1939 confié a ese Museo el cuadro conocido con el nombre Guernica, que mide 11 pies 5 1/2 por 25 pies 5 3/4, que es obra mía, así como los estudios o dibujos y oferentes (cuyo listo adjunto o lo presente) y que no pueden separarse de la obra principal.

Desde hace muchos años igualmente he hecho donación de este cuadro, los estudios y los dibujos a su museo.

Paralelamente, ustedes han aceptado enviar el cuadro, los estudios y dibujos a los representantes cualificados del Gobierno español cuando se hayan restablecido las libertades públicas en España.

Ustedes saben que siempre ha sido deseo mío ver que esta obra y sus anexos volvieran al pueblo español.

A fin de respetar la intención de ustedes, junto con mi deseo, les ruego que tengan en cuenta mis instrucciones en este punto. La petición concerniente a la vuelta del cuadro y sus anexos puede ser formulada por las autoridades españolas. Pero al museo corresponderá desprenderse del Guernica y de los estudios y dibujos que lo acompañan.

La única condición puesta por mí a esta devolución concierne al consejo de un jurista.

Por lo tanto, antes de toda iniciativa, el museo deberá solicitar el consejo del señor Roland Dumas -abogado de los Tribunales, avenue Moche n° 2, París-, y el museo deberá atenerse a su consejo.

El señor Roland Dumas tendrá facultad para designar por escrito a otra persona que tendrá el mismo cometido que él, en caso de que él mismo no pudiera cumplirlo por cualquier motivo.

El consejo que deberá dar el jurista se referirá a la condición para la devolución del cuadro a las autoridades del Gobierno español.

Se tratará, para él o para sus sucesores, de apreciar si se han restablecido las libertades públicas en España.

Desde el momento en que su museo reciba un informe favorable del Sr. Dumas, o de la persona que este último haya designado para sustituirle, ustedes entregarán el cuadro y sus anexos en un plazo de tiempo razonable, a lo sumo seis meses después de la recepción del informe, al representante en Nueva York del Estado español. 



“Otros” Guernica

Los Simpson




Visión Rayos de Ron English.








En el cómic




Graffiti



Curiosidades:



Bibliografía:

martes, 7 de mayo de 2013

LAS TRES GRACIAS


Las 3 gracias

Ficha de la obra:

Autor de la obra: Pedro Pablo Rubens (1577-1640)
Título: Las tres gracias
Cronología: 1630- 1635
Técnica: Óleo
Soporte: Tabla
Medidas: 220,5 cm x 182 cm



Esta obra fue adquirida por Felipe IV entre los bienes del pintor, subastados tras su fallecimiento, el 30 de mayo de 1640, pasando a decorar una de las salas del Alcázar de Madrid, más concretamente, en las Bóvedas de Tiziano, junto a los desnudos que este pintor realizó para Felipe II. El hecho de estar pintado sobre tabla indica la relación del maestro con la pintura flamenca antigua.

Las Tres Gracias se llamaban Eufrosine (la gozosa), Talía (la floreciente) y Aglae (la deslumbrante)  y eran hijas de Zeus y Eurínome. Eran jóvenes vírgenes que vivían con los dioses con la misión de que jamás se aburrieran y además, protegen a los filósofos. Siempre aparecen desnudas ya que la belleza no necesita cubrirse. Son las representaciones de la afabilidad, la simpatía y la delicadeza. Este es uno de los cuadros que mejor transmite el grado de felicidad y sensualidad que manifiestan muchas de las últimas pinturas de Rubens, habiéndose interpretado como un canto del artista al amor, la felicidad y el placer.

El asunto y la manera de tratarlo se remontan al arte clásico pero fue Rafael, en el Renacimiento, quien lo recobró. Rubens mantiene la composición del italiano, pero cambia la relación entre las tres figuras que están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo y sus miradas, es decir, psicológicamente, dando así nueva unidad al grupo. También ha cambiado el canon de belleza, empleando el típico de sus pinturas, con mujeres entradas en carnes pero proporcionadas, elegantes. La sensación de movimiento y gracia que irradian las tres jóvenes es excelente, obteniendo el efecto de invitar al espectador a integrarse a la escena. Las flores de la guirnalda superior y el fondo de paisaje acentúan la belleza del conjunto. El fuerte foco de luz que utiliza el maestro resalta el colorido perlado de las muchachas, en cuyos rostros creen algunos reconocer las facciones de las dos esposas del pintor, Isabella Brant y Hélène Fourment, mientras otros opinan que se trata de diferentes variaciones de ésta última. La belleza femenina de la pintura de Rubens está resumida en este magnífico trío.

Los colores cálidos, el paisaje pintoresco, con animales en el fondo, la composición triangular y barroca y, sobre todo, la exuberancia de las modelos, sensuales y carnosas en sus desnudos. El cuerpo femenino resulta blando y vibrante y de entonaciones rosadas, muy alejado de los estereotipos latinos, son las características principales de esta obra de Rubens.

Durante el siglo XVIII se la consideró como la pintura más conflictiva de la Colección Real y estuvo a punto de ser destruida. Aunque su destino final fue confinarla en una de las distintas Salas Reservadas que estaban destinadas a la pintura de desnudo (Casa del Rebeque, Academia de San Fernando y Museo del Prado). Esta incomunicación se abandonó en 1838 cuando pasó a exhibirse en la colección general del Museo.

El primero en mencionarlas fue el poeta griego Hesiodo (siglo VIII a.C.) en su obra Teogonía.

Es muy posible que la inspiración rubeniana partió de diversas versiones sobre este tema, como podría ser el grupo helenístico de la catedral de Siena que pudo haber admirado en su viaje por Italia, o bien utilizó la estampa, muy divulgada en su época, del grabador florentino Marco Antonio Raimondi sobre este asunto.

Era habitual que su segunda mujer, Helena Fourment, posara como modelo, como hizo para esta tabla. Según Eugenio d'Ors, la otra figura podría representar a su primera mujer, Isabel Brandt, lo cual es posible aunque no verosímil.


ESTILO PICTÓRICO DEL AUTOR.

Los rasgos definitorios del estilo pictórico de Rubens son, por un lado la grandiosidad de sus composiciones, el gran sentido del drama que posee y el gusto por las potentes anatomías, con poderosas musculaturas masculinas (de influencia miguelangelesca) y la preferencia por las tonalidades claras, sonrosadas, y las carnes abundantes, exuberantes en las anatomías femeninas, mostrando en ellas una forma característica suya, sus mujeres gruesas, de figura redonda, de ampulosas curvas. Valora enormemente el movimiento, con cuerpos contorsionados, colocados en profundas y enérgicas diagonales (tan del gusto barroco), árboles torcidos, suelos ondulantes, etc. Estas estructuras diagonales  y el ágil movimiento de sus figuras dota a sus cuadros de un gran dinamismo y vitalidad, conviertiéndole en el pintor barroco más característico.

En cuanto a su técnica, Rubens utiliza el óleo sobre grandes lienzos aplicando la pintura en muchas capas transparentes con poco pigmento y mucho óleo, para que las capas profundas fueran visibles, solía dibujar con el pincel y construía las figuras pasando de lo oscuro a lo claro, desarrollándolas con los colores cálidos heredados de Tiziano. Su pincelada es rápida, suelta y la mancha de color se impone sobre el dibujo, con gamas cromáticas que nos remiten a la escuela veneciana, aunque también era un gran dibujante, lo que se trasluce en sus obras, convirtiendo para los pintores románticos en su antecedente.

Además cultivó todos los géneros, el mitológico, el religioso, el retrato, el paisaje, el costumbrismo, etc, siendo su obra enorme, ya que contaba con un importante taller, en el que colaboraron discípulos como Van Dyck o Jordaens, quienes realizan en ocasiones muchas partes de los lienzos.

Su estilo es, por tanto, contradictorio y a la vez síntesis de su aprendizaje en Italia y de su formación en Flandes.

  • De Miguel Ángel, adquiere las formas humanas de anatomía exagerada y las escenas dramáticas. No hay duda de que en su retina están presentes los "ignudi" y la caída de los condenados del Juicio Final de la Capilla Sixtina.
  • De Leonardo da Vinci, le atraen el ímpetu incontenido y las diagonales en fuga de la Batalla de Anghiari. Tenemos que agradecer a Rubens que hiciera un dibujo de este fresco porque el original ha desaparecido.
  • De los venecianos, especialmente de  Tiziano, recoge el color cálido, la pincelada amplia, sus bellos desnudos y el tema mitológico. De Veronés los amplios escenarios arquitectónicos, la gracia del gesto elegante y los contrapicados. De Tintoretto, ciertos modelos humanos y osadías técnicas y compositivas.
  • De Corregio la gracia y la dulzura.
  • De Carracci y los eclécticos, las grandes composiciones y el movimiento grandilocuente.
  • De Caravaggio, la influencia es menos evidente, pero también tuvo conocimiento de su obra y aprecio, ya que compró El Tránsito de la Virgen de éste para Vicenzo Gonzaga, Duque de Mantua y su protector en Italia.



El siguiente enlace es una audioguía infantil creada por el Museo del Prado:



En el vídeo que a continuación te proponemos, se puede observar la obra con todo detalle:

Bibliografía:



domingo, 28 de abril de 2013

Catedral de Notre Dame


NOTRE DAME

La historia de la catedral comienza en 1163 cuando Maurice de Sully, obispo de París, pone en marcha su construcción durante el reinado del rey Luis VII de Francia y fue terminada en 1345. Por lo tanto, en 2013 hará 850 años desde la colocación de la primera piedra de esta joya arquitectónica del arte gótico.
Maurice de Sully fue el obispo de París desde 1160 hasta 1196. Desde el momento en que fue elegido, proporcionó una respuesta pastoral, teológica y espiritual a las transformaciones profundas de su diócesis con la reconstrucción de una iglesia catedral dedicada a la Virgen María (Notre-Dame significa Nuestra Señora).
La catedral de Notre Dame se encuentra en la Île de la Cité, núcleo del que germinó la París celta y posteriormente la urbe romana y medieval. Este  espacio siempre se mantuvo ligado a los cultos religiosos, ya que uno de los primeros asentamientos estuvo a cargo de los celtas, quienes solían celebrar en el lugar sus ceremonias religiosas.
Al trascurrir los años, fueron los romanos quienes se apoderaron del lugar y construyeron un templo a través del cual poder expresar su devoción al dios Júpiter. Posteriormente, cerca del año 528 d.c., el lugar albergó a la que ha sido considerada la primera iglesia cristiana de París, denominada la Basílica de San Esteban, y construida en base a un proyecto de Childeberto I.
Los años siguieron sucediéndose, y la iglesia fue reemplazada por un nuevo templo románico, el cual permaneció en el lugar hasta el año 1163, momento en que se decidió comenzar con la construcción de la Catedral de Notre Dame.

Proceso de construcción:
Sin problemas de financiación, las obras avanzaron muy rápidamente, llegando a la fachada occidental alrededor del año 1200, mientras que las torres se terminaron a mitad del siglo XIII. No obstante las tareas constructivas siguieron avanzando hasta bien entrado el siglo XIV.
     Siglo XII, principios del XIII
1163-1182: construcción del coro y su doble deambulatorio.
1182-1190: la construcción de los tres últimos tramos de la nave central, las naves laterales y las tribunas.
1190-1225: edificación de la fachada y los dos primeros tramos de la nave, la conexión de las dos bahías de la fachada superior y la Galería de los Reyes.
1225-1250: galería superior y dos torres en la fachada, modificación y ampliación de las ventanas superiores y acondicionamiento de las capillas laterales entre los pilares.
     Finales del XIII, principios del XIV
Los constructores son bien conocidos: Jean de Chelles, Pierre de Montreuil, Pierre de Chelles, Jean Ravy, Jean le Bouteiller.
Construcción de las capillas del coro y el ábside entre los contrafuertes.
Alzamiento de la tribuna y una historia de pantalla de piedra alrededor del coro y el santuario.
     Modificaciones en los siglos XVII y XVIII
Rehabilitación del santuario y el coro, dirigido por Robert de Cotte, para cumpli rel voto de Luis XIII .
Restauración de la ventana de Rose del Sur.
Durante la revolución se destruyeron las 28 estatuas de la Galería de los Reyes.
     Siglo XIX
Notre-Dame es devuelto a la iglesia católica el 18 de abril de 1802. En 1831,Víctorr Hugo publicó El jorobado de Notre Dame, que fue un gran éxito. En 1844, el gobierno del rey Luis Felipe I decretó la restauración de la catedral de París y la construcción de una sacristía.
     Periodo contemporáneo
Entre 1990 y 1992 , el gran órgano,  que se convirtió en el más famoso del mundo, sufrió una importante restauración. Desde el año 2000 (el último año de los principales trabajos de limpieza en la fachada oeste, que duraron más de diez años), gracias a los talentos y las técnicas de los Monumentos Históricos restauradores, ha sido posible admirar el esplendor de esta joya de la arquitectura medieval.
La catedral es hoy más que nunca, una parte de nuestra cultura. Es algo más que un museo, y sirve, como lo ha hecho desde el principio, como la Casa de Dios y la casa de los hombres, su influencia ha permanecido siempre actual.
Arquitectura:
La catedral de Notre Dame de París en un voluminoso templo de planta de cruz latina. Presenta un gran cuerpo de iglesia con cinco naves más capillas laterales. El ancho transepto se sitúa casi en la mitad de la longitud de las naves y resalta poco en planta. La capilla mayor está rodeada por una girola de doble nave.
En cuanto al alzado, hay que decir que participa de las características de otros templos del gótico temprano, con sus tres pisos característicos:
     Primer nivel: Arcos formeros apuntados sobre enormes columnas.
     Segundo nivel: tribuna comunicada con la nave central mediante tres vanos apuntados envueltos por otro mayor, en cada tramo.
     Tercer nivel: claristorio con ventanales constituidos por doble vano apuntado y otro superior circular.
Hay que destacar la belleza de su tribuna, concretamente sus esbeltos arcos y finas columnas. Sin embargo, esta tribuna se mantiene en Notre Dame por inercia del mundo románico o por estética
 La escultura de Notre Dame
La escultura de la seo parisina es de extraordinaria calidad dada la importancia que tuvo París en el siglo XIII como centro del reino adonde acudían los mejores maestros. Aquí estaba la corte, que poseía iniciativa artística, y fueron capaces de atraer a los mejores artistas, ya fueran arquitectos, escultores, vidrieros, miniaturistas, etc.
El estudio de la escultura de la catedral de Notre Dame es de enorme importancia para conocer la iconografía y estilo de la escultura gótica europea, puesto que va a ser referencia y modelo para multitud de obras posteriores, no sólo de Francia. Ello se explica porque París llegó a ser un centro de formación artística de primer orden a donde acudían aprendices de toda Europa. Después estos artistas formados se desplazaban a otros lugares siguiendo allí el modelo de Notre Dame.
La escultura de la fachada occidental, salvo el tímpano de la Puerta de Santa Ana, es toda de comienzos del siglo XIII (1210-1220) y se considera dentro del gótico clásico.





Sin embargo, la escultura de las puertas del transepto es de época algo más avanzada (1240-1250). Por tanto, estilísticamente es diferente a la de la fachada occidental.







Puertas de la fachada oeste
La fachada oeste tiene tres puertas:
  • Puerta de Santa Ana (sur)
  • Puerta del Juicio Final (central)
  • Puerta de la Virgen (norte)



La puerta de Santa Ana (Sur)


La puerta de Santa tiene la particularidad de que buena parte de su escultura es anterior a la construcción de la catedral gótica, reutilizándose de una construcción anterior de finales del XII y que podríamos calificar de tardorrománica.

Está presidido por una Virgen Theotokos, de tradición aún románica por su hieratismo, frontalidad y ubicación del Niño en el centro de su regazo. La Virgen está solemnemente sentada en un trono bajo un precioso baldaquino con estructuras arquitectónicas que simbolizan la Jerusalén Celestial. A ambos lados hay sendos ángeles turiferarios. En los extremos del tímpano encontramos la figura de un obispo y un escriba y al lado opuesto un rey arrodillado.

El registro inferior de este tímpano tardorrománico lleva el Ciclo de la Natividad, con las escenas de la Anunciación, Visitación y Nacimiento de Cristo (María está tumbada en una cama de gran riqueza, junto a un San José pasivo).
La parte inferior ya es del periodo gótico -del siglo XIII- y lo ocupa un friso con la historia de San Joaquín y Santa Ana.

Puerta Central o del Juicio Final (centro)

Estamos ante una puerta de principios del siglo XIII, aunque hay que ser precavidos al contemplar la belleza de sus esculturas como consecuencia de las radicales restauraciones y reconstrucciones del siglo XIX, especialmente en la parte inferior.
Posee también tres registros. El superior es la parte menos reconstruida del conjunto al ser la más inaccesible desde el suelo. En él aparece un Cristo Hombre con nimbo crucífero mostrando las llagas de las manos. A ambos lados, dos ángeles portan los instrumentos de la Pasión, mientras que San Juan y la Virgen interceden por la humanidad (Deesis). Hay que recordar que la representación del Cristo humanizado en la escena del Juicio Final es típica del gótico y refuerza la idea de la naturaleza también humana de Jesús y su papel no sólo como juez sino como redentor. En el registro central se representa, de izquierda a derecha, los bienaventurados, mirando a Cristo, al arcángel San Miguel que se encuentra pesando las almas (psicostasis), junto a dos demonios que tratan de inclinar la balanza a su favor. Los condenados, atados por cadenas, son empujados por otros dos diablos.El registro bajo es un friso del siglo XIX de Viollet-Le-Duc pero que reproduce los restos supervivientes en la Revolución. Muestra la Resurrección de los fallecidos para que sean juzgados por Cristo. Los muertos salen de los sepulcros, con ropajes identificativos de su condición u oficio, mientras ángeles en los extremos tocan las trompetas anunciadoras del juicio que va a comenzar.

Las arquivoltas abundan en la temática del Juicio, mostrando en los extremos el mundo de los condenados, a la derecha, y de los bienaventurados, a la izquierda. En estas arquivoltas -dadas las posibilidades tan grandes que ofrecen su tamaño de colocar a muchos personajes- también aparecen ángeles, patriarcas, etc.
En ellas se coloca a la izquierda el seno de Abraham, que recoge a las almas bienaventuradas que se representan como niños.
Las partes donde aparecen los bienaventurados es ordenada, tranquila, y quizás poco expresiva. Sin embargo, el área dedicada a los condenados tiene más movimiento porque éstos se rebelan, con lo que se muestra más expresividad, desorden y agitación.
En las jambas se representa a un Apostolado, muy rehecho, al sufrir importantes deterioros por su fácil accesibilidad. Cada uno tiene su atributo identificativo, que fueron la mayoría destruidos o cambiados de sitio durante la Revolución Francesa.
En la zócalo inferior de las jambas, por ser de gran visibilidad para los fieles, fue el lugar el elegido para colocar las Vicios y las Virtudes, los calendarios, los signos del Zodiaco. Las escenas son de gran belleza, perfección y calidad.
Aquí el artista goza de mayor libertad iconográfica en las representaciones al ser éstas de carácter profano, que cuando se representaban a personajes sagrados. Sin embargo, contienen una gran carga alegórica y simbólica.

Puerta de la Virgen (norte)
La puerta norte es una típica portada de temática mariana. Lamentablemente fue muy mutilada durante la Revolución Francesa, y reconstruida posteriormente. Está organizada en tres registros. En el superior y presidiendo la puerta se esculpió la escena de la Coronación de la Virgen, que aparece sentada junto al Todopoderoso. Les acompañan ángeles, dos arrodillados en los extremos, postura motivada por su emplazamiento, y un tercero coronando a la Virgen.
En el registro central se colocó la escena de la Dormición o Muerte de la Virgen. María aparece tumbada en su lecho, rodeada por los apóstoles y dos ángeles que inician el levantamiento de la Asunción.
En el registro inferior, en el lugar del dintel, se representan a los Patriarcas, que flanquean a un baldaquino bajo el que se encuentra el Arca de la Alianza, que contiene la Tablas de la Ley por la que Yahvé instauró la Antigua Ley por medio de Moisés, de gran valor simbólico. En el parteluz aparece la Virgen de pie con el Niño en su brazo izquierdo. En las jambas aparecen santos, patriarcas del Antiguo Testamento, reyes y otros personajes. Entre ellos destaca la célebre estatua de San Denís con su cabeza cortada sujeta por las manos. Es una escultura del siglo XIX.
Puertas los extremos del transepto
Puerta del Claustro o Porte de Cloitre (Puerta norte del transepto)
Por esta puerta accedían al templo los canónigos desde el "Claustro del clero".
Es por ello que se eligió una iconografía acorde con el tipo de espectador que iba a presenciarla y las instrucciones morales que se deseaba transmitirles.
La puerta central posee tres registros. En el inferior se desarrolla el ciclo de la Infancia de Cristo con el habitual sentido narrativo: A la izquierda aparece el Nacimiento de Cristo (La Virgen se encuentra tumbada en una cama con gesto sereno). Bajo el lecho está el Niño en su cuna, flanqueado por el buey y la mula. San José se apoya en la cama somnoliento. A continuación aparece la presentación del Jesús en el templo donde es tomado en brazos por el sacerdote Simeón. Unas sirvientas detrás de la Virgen portan cestas con palomas como ofrenda.
Posteriormente aparece la escena de la matanza de los santos inocentes. Este episodio del Nuevo testamento se representa muy habitualmente tanto en el románico como en el gótico, puesto que además de lo dramático y expresivo del asunto se añade el hecho de que fueron los primeros mártires cristianos. En el extremo de la derecha y como fin de la secuencia aparece la Huida a Egipto.
Los registros medio y superior se aprovecharon para representar la historia del monje Teófilo de Adana.
Puerta sur del transepto o de San Esteban
San Esteban era el santo patrón de la ciudad y a él se dedicó la puerta sur del transepto que comunicaba el palacio episcopal con el templo.
En ella está esculpida la historia de su martirio. Se aprecia en la talla el momento más evolucionado y tardío en que se realizaron con relación a otras puertas de la catedral. Las figuras de los personajes se despegan del muro y adquieren posturas y gestos más vivos y dinámicos lo que incrementa el naturalismo y la capacidad narrativa de la historia y su anecdotismo.
ü  Curiosidades­:
La tradición dice que la primera piedra de Notre-Dame fue colocada en 1163 en presencia del Papa Alejandro III.
La popular Catedral de Notre Dame en París, es realmente famosa y significativa para algunas personas, por ser el sitio en el que sucedieron parte de los acontecimientos narrados en la bien conocida historia del jorobado de Notre Dame escrita en 1831 por Víctor Hugo.
En sus instalaciones han tenido lugar momentos de gran trascendencia como la coronación de Napoleón Bonaparte y la beatificación de Juana de Arco.
La Revolución Francesa se ensañó violentamente contra ella y llegó a derribar las estatuas de los pórticos y sustituir las vidrieras por cristales blancos. Cuando Napoleón se adueñó de París la Catedral estaba en una situación lamentable, llegando a ser usada como establo.
La plaza donde se encuentra situada es el kilómetro cero de todas las carreteras de Francia

ü  Descripción detallada en arte de la construcción de la Catedral de Notre-Dame



ü  Bibliografía: